Titolo di cui bisogna necessariamente tornare a parlare – dopo avere già segnalato (nella consueta lista di nuovi libri in uscita d’inizio mese), la nuova edizione de “L’Intoccabile” di Marisa Merico, da cui la serie è tratta – perchè la successiva visione dell’adattamento televisivo che, dopo un primo passaggio a Cannes, è stato reso disponibile dal 28 aprile su Prime (in più di 240 paesi), è andata ben oltre le mie ben più modeste aspettative.

Convinto di ritrovarmi la solita serie sulla mafia (filone di cui tra l’altro sono un discreto habituè, ma che appunto dopo i vari Gomorra, Romanzo Criminale, Capi dei capi et simila… mi sembrava non avesse più molto altro da aggiungere), la vera sorpresa, che ne ha decretato, nel mio caso, l’immediato colpo di fulmine, è tutta nel modo assai originale (per i canoni italiani), in cui la storia viene raccontata.

Una storia tra l’altro non del tutto nuova, visto che la vita di Marisa Merico (figlia di Emilio Di Giovine e nipote della terribile Maria Serraino, prima matrona di una cosca reggina di ‘ndrangheta originaria di Cardeto), oltre che nella già citata autobiografia, era già stata raccontata anche in Lady ‘Ndrangheta, documentario del 2015 di Beatrice Borromeo. Anche se è soprattutto in Inghilterra, dove la Merico si trasferì da piccola e dove, dopo aver scontato 3 anni di reclusione per riciclaggio, tutt’ora vive (della sua moderna professione di criminologa), che l’autrice di Mafia Princess ha raggiunto una certa notorietà grazie a giornali, riviste, true-crime podcast e interviste varie.

L’elemento del tutto nuovo, dicevamo, e quasi di rottura, è invece l’approccio scelto dall’assai promettente creatore della serie Andra Di Stefano per raccontare una storia, certamente già vista, ma che qui viene abilmente rivisitata grazie ad un mix esplosivo di vari generi – crime, (teen)drama e commedia (nera) – unito al citazionismo più spinto e consapevole (a partire dal manifesto promozionale preso paro paro dalla quinta stagione di Sons of Anarchy).

Narrativamente, saremmo infatti dalle parti di Quei bravi ragazzi, che in queste righe mi piace ricordare a pochi giorni dalla prematura scomparsa all’età di 67 anni di quel Ray Liotta che, proprio grazie all’eccitante ed eccitata interpretazione di Henry Hill, otteneva la meritata notorietà. Come nel film di Scorsese (tratto a sua volta dal romanzo di Nicholas Pileggi), anche in Bang Bang Baby abbiamo una protagonista, ripresa in età adolescenziale, che messa di fronte ad un realtà molto diversa da quella ben più modesta in cui è cresciuta, ne subisce la fascinazione fino al punto da venirne coinvolta, per propria scelta, e non perchè davvero costretta, in prima persona.

La via scelta per raccontare questa discesa agli inferi non è però quella del racconto antropologico/documentaristico di una cerchia ristretta (il mondo criminale) o di un’epoca (la Milano da bere), bensì quella assai più dissacrante, anche dal punto di vista estetico-visivo, già usata da Roberta Torre per raccontare/perculare la mafia in Tano da Morire – solo uno dei tanti titoli che mi vengono in mente (gli autori citano tra i loro riferimenti anche i Coen, Tarantino, David Lynch, Sorrentino – tanto Sorrentino – o persino Nicolas Winding Refn) – per spiegare come il repentino cambio di registro, da dramma a commedia, qui non si consumi solo all’interno della storia, ma anche delle singole puntate – ognuna introdotta o caratterizzata da un preciso riferimento pop-culturale.

Ricordiamo infatti che siamo a Milano nel 1986, con l’immaginario di ogni ragazzo di quel periodo, compreso quello della 16enne Alice (ovvio alter-ego di Marisa Merico), non molto diverso da quello dei millenials di oggi e che, ad eccezione dei social, è fatto di telefilm, cartoni animati, pubblicità e videogiochi, a rappresentare il filtro, o meglio la lente d’ingrandimento con cui leggere la realtà che la circonda, e che dal momento in cui scopre che il padre che credeva morto è vivo e vegeto, nonchè un boss della mala calabrese di stanza a Milano, diventa per lei (e per noi) sempre più mutevole.

Ecco quindi come Alice non più nel Paese delle Meraviglie possa via via autoproiettarsi nella ragazza pistolera della pubblicità della Big Babol (quella dove la ragazzina nel west spaventava i cattivoni facendo esplodere enormi palloni e lo speaker diceva “Spara, non si appiccica, si ricarica”); in una delle protagoniste/spettatrici di “Casa Barone”, parodia di tutte le sit-com rassicuranti sulla famiglia come “Casa Keaton” che andavano in onda in quel periodo; o ancora in una passeggera in balìa del destino in un rocambolesco inseguimento tra auto negli onirici labirinti di un quadro/livello di Pac-man.

Citazioni e riferimenti pop a go-go che non si fermano ai singoli temi di puntata, ma che vediamo distribuiti sapientemente anche nelle scelte musicali (su tutte, “Call Me” di Blondie, colonna sonora di American Gigolo), così come nella costruzione dei caratteri dei singoli personaggi quali Nereo Farraù, dell’ormai navigato Antonio Gerardi, talmente bravo da convincere anche noi di essere un sosia di George Michael.

A questo proposito, impossibile non citare anche l’apprezzabilissimo lavoro svolto dal resto del cast: la promettente 17enne Arianna Bacheroni nel ruolo della protagonista Alice, che per una volta non fa rimpiangere le più talentuose ed euforiche attrici teenager americane; Adriano Giannini che, non sarà Gian Maria Volontè, ma neanche Raul Bova, riuscendo a calarsi perfettamente nel dialetto calabrese di Santo Barone; anche se, bisogna dirlo, a svettare su tutti è Dora Romano – già vista in tempi recenti nel ruolo della maestra Oliviero ne L’amica geniale, ma soprattutto nei panni (di pelliccia) della signora nullaffatto Gentile di È stata la mano di Dio (sempre Sorrentino) – che qui, grazie al ruolo di donna Lina, alias Nonna Eroina, riesce davvero a tenere in scacco lo spettatore che voglia dare una chance a questo inusuale ma riuscitissimo affresco di Famiglia.

Nel caso in cui anche voi decidiate di essere tra questi, sappiate di poter contare su un vantaggio non indifferente, visto che dopo i primi 5 episodi rilasciati il 28 aprile, non vi toccherà aspettare più di un mese per vedere la seconda parte dei restanti episodi (6-10), originariamente programmati per il 19 maggio, poi misteriosamente rinviati al 26 maggio, ed infine resi disponibili solo a partire da oggi 31 Maggio e che quindi potrete anche scorpacciarvi tutti insieme, fortunelli…

Il “Pantano” o Casa del Pantano, dall’originale Slough House, è un famigerato dipartimento dell’MI5 (Military Intelligence, Sezione 5, ovvero la versione inglese della CIA): male ubicata, male illuminata e male odorante. Non è il peggior bar di Caracas (anche perchè siamo a Londra), ma poco ci manca.

Ed è in questa sorta di tugurio che finiscono “impantanati” gli Slow Horses del titolo, i cavalli lenti, i brocchi: agenti colpevoli di fallimenti, cattiva condotta, semplice mediocrità o niente di tutto questo…

Ma il pantano, inteso come situazione imbrogliata o moralmente equivoca, è anche quello che sembra padroneggiare alla grande l’irascibile quanto sgradevole (e ovviamente geniale) capo della sotto-sezione Jackson Lamb (un grandissimo Gary Oldman, al suo primo importante ruolo televisivo, se si esclude un cameo in Friends), agente dall’esperienza trentennale sul campo, naturalmente nostalgicio dei bei tempi andati, nonchè l’unico a cui la sede del Pantano, sembra invece calzare come un guanto.

Di tutt’altro avviso e motivazione sono invece i suoi sottoposti, o come li chiama lui amorevolmente gli sfigati buoni a nulla, assai desiderosi di tornare in fretta al Parco, come questi ricordano la sede principale del MI5 da cui sono stati estromessi, a partire da River Cartwright (Jack Lowden, Dunkirk), ultimo in ordine di tempo ad essere stato esiliato in questa sorta di purgatorio dopo una missione di addestramento andata terribilmente male e pubblicamente imbarazzante.

L’occasione per redimersi (oltre per prendersi una rivincita nei confronti di chi, nell’MI5, li guarda con ironia e disprezzo), viene loro offerta da un caso che sta suscitando un certo clamore mediatico in Gran Bretagna: l’annunciata decapitazione di uno stand up comedian (nipote di un pezzo grosso pakistano), ad opera dei Figli di Albione, un gruppo di estrema destra, che tiene il ragazzo sotto sequestro nello scantinato di un anonimo appartamento londinese (il “Covo di bastardi” a cui fa riferimento il titolo italiano del primo romanzo), che potrebbe ricordare l’altro covo di agenti sulle loro tracce.

Che non siamo dalle parti del solito telefilm di (contro)spionaggio lo si capisce già dai titoli di testa accompagnati dal rockeggiante Strange Game di Mick Jagger (primo lavoro televisivo anche per la rockstar inglese), oltre che dall’eccellenza del cast creativo che vede al timone Will Smith (non l’attore, ma l’omonimo creatore televisivo del pluripremiato Veep) e Graham Yost di Justified e The Americans, come co-produttore esecutivo, a cui viene affidato il compito di ben amalgamare un cast internazionale. Oltre al già citato Gary Oldman, anche la pluricandidata agli Oscar Kristin Scott Thomas (L’ora più buia) nel ruolo di Diana Taverner, l’ambigua dirigente dell’MI5, senza naturalmente dimenticare l’altro candidato all’Oscar Jonathan Pryce (I due Papi).

Stra-consigliatissimo agli amanti di spionaggio e commedia nera, che con questa serie, potrebbero davvero aver trovato il loro nuovo titolo di riferimento, anche perchè vista l’abbondanza di materiale già scritto da Mick Herron, è lecito aspettarsi ed augurararsi diverse stagioni in cantiere.

A questo proposito, è forse bene chiarire che sebbene questi primi 6 episodi già trasmessi siano erroneamente considerati la prima stagione, in realtà questa è composta da 12 episodi, che raccontano gli eventi dei primi 2 romanzi (gli unici pubblicati in Italia). Questa seconda parte di episodi (1×07-12) è comunque già stata confermata e girata (come si può anche vedere dal trailer che parte alla fine della sesta puntata). Non sappiamo ancora quando verranno rilasciati, ma ne sentiremo sicuramente parlare…

Quella del serial-killer che viaggia nel tempo, francamente mi mancava! Che riassunta così potrebbe pure sembrare una mezza boiata, salvo poi leggere i nomi coinvolti nel progetto (Leo Di Caprio alla produzione, Michelle MacLaren alle regia), e soprattutto vedere i primi 3 episodi (resi disponibili dal 29 aprile, poi solo 1 a settimana), per capire come la serie Apple, ormai sempre più sinomimo di qualità, abbia tutte le carte in regola per incuriosire e naturalmente conquistare anche lo spettatore più scettico.

Partiamo intanto dal libro da cui la serie è tratta, per capire come la creatrice Silka Luisa non si sia limitata ad adattare il buon materiale di partenza. Se nel romanzo di Lauren Beukes, la storia veniva raccontata dal punto di vista di ciascuna delle 9 vittime (compresa l’unica sopravvisuta) del killer che viene dal passato, qui la storia viene mediata solo attraverso gli occhi e la memoria (come vedremo un po’ labile) di Kirby Mazrachi. Una scelta di produzione quasi obbligata, quando hai Elizabeth Moss resasi disponibile tra una stagione e l’altra di Handmaid’s Tale, ma che risulta vincente anche dal punto di vista creativo, visto che lo spettatore si troverà ben presto catapultato, o meglio calato, nella sua realtà, che vedremo essere tutt’altro che lineare, col rischio, soprattutto all’inizio, di non capirci quasi niente…

Andiamo quindi con ordine, proposito non sempre facile quando una storia si svolge su diversi piani temporali. E il primo è quello raccontato nel teaser prima della sigla, ambientato a Chicago nel 1964, quando Kirby che non si chiamava ancora Kirby, viene avvicinata, ancora bambina, sulla scalinata di casa da un individuo che sembra conoscerla meglio di quanto lei conosca sè stessa. Una scena a dire il vero assai inquietante, ma che per fortuna si risolve con un pony alato che l’uomo le lascia in regalo prima di andar via.

Ma come direbbe Lucarelli, dimentichiamoci di Billy Elliott per il momento, tanto ci torneremo dopo. E passiamo al presente, che nella serie è il 1992. Siamo sempre a Chicago, con il pony alato che adesso si trova sul comodino della stanza di Kirby, che abbiamo detto non si chiama Kirby, e non è più una bambina, anche se annota pensieri su un diario, tipo il nome della madre Rachel con cui vive (una sotto-utilizzata Amy Brenneman, The Leftovers) o quello della propria gatta.

Forse non è un caso che sia finita a fare l’archivista presso il Chicago SunTimes, testata per la quale avrebbe preferito scrivere come giornalista, se qualche anno prima non fosse stata mortalmente aggredita da un uomo (ve l’avevo detto che tornava…), che l’ha lasciata viva per miracolo, costringendola a cambiare nome per non farsi rintracciare (povera ingenua!) e incasinadole parecchio l’esistenza.

La scoperta di un recente omicidio che rispecchia le dinamiche del suo caso, e come vedremo in seguito, anche di molti altri, è l’occasione per riprendere in mano la sua vita. Inizia quindi a collaborare come fonte con il tormentato giornalista Dan Velazquez (l’attore brasiliano Wagner Moura che, senza i baffi e le guancie paffute di Pablo Escobar di “Narcos”, farete fatica a riconoscere) per scoprire identità e motivazioni del suo aggressore a cui risulta legata a doppio filo da un destino molto particolare, e che ha a che fare proprio con le continue alterazioni di vita di cui è vittima.

Sì perchè, come lo spettatore avrà già capito, le annotazioni sul diario, servono a Kirby per aiutarla a ricomporre il puzzle della propria vita ogni qualvolta si trova catapultata in una realtà parallela fino a un attimo pima a lei sconosciuta. Quello che invece non sarà facile capire è perchè questo le accada e come potrà Kirby fermare il killer a cui piace uccidere facile, visto che risulta sempre un passo avanti (ma anche indietro) a tutti…

Non potendo rivelare molto altro, per scoprirlo, bisogna naturalmente guardare la serie fino alla fine (e nel momento in cui scrivo, manca ancora l’ultimo decisivo episodio, che verrà reso disponibile il 3 giugno), per un fantathriller che, tra atmosfere finchiane, momenti alla “Memento” e altri ancora più “Dark” (per citare un’altra serie sui viaggi del tempo), non mancherà di tenere lo spettatore con il fiato sospeso…

Grande attesa per il ritorno sugli schermi televisivi di Carrie “la pazza” a 2 anni dalla conclusione di Homeland. Quantomeno da parte del sottoscritto. Per spiegarmi meglio, prendete quella che per voi è, al cinema, la più grande attrice vivente (ovviamente madame Isabelle Huppert) e trasferitela in TV. Ecco, per me quell’attrice è Claire Danes, una cresciuta a pane e tv, visto che già a 14 anni vinceva il suo primo Golden Globe come migliore attrice drama (My So-Called Life, purtroppo inedito in Italia) e che, da allora, sempre rimanendo in ambito televisivo, non ha mai sbagliato un colpo, avendo sempre selezionato e naturalmente interpretato i suoi personaggi con cura e attenzione maniacale. Non è un caso che nel suo curriculum ci siano una donna affetta d’autismo (Temple Grandin, Golden Globe ed Emmy nel 2010) e un agente della CIA bipolare (altri 2 goden Globe e 2 Emmy per il già citato Homeland).

Prima di capire se possa rientrare tra questi anche l’ultimo personaggio di Cora Seaborne che la Danes interpreta ne “Il serpente dell’Essex” (sicuramente meno borderline dei precedenti, ma in cui lo scontro tra razionalità ed emotività sarà centrale nelle sue vicende), vediamo intanto di cosa parla la serie che, in questo caso , non si discosta di molto da quanto già illustrato nella sinossi del romanzo.

Ambientata nel 1893 in epoca vittoriana, quando gli Stati Uniti non erano ancora al centro del mondo e il Regno Unito aveva colonizzato un quarto del globo, la miniserie prende le mosse da Londra, dove Cora rimane vedova del marito Michael, morto di tumore alla gola (che, volendo andare contro le ultime volontà dell’uomo, avrebbe potuto essere operato), ma per il quale Cora (capiremo il perchè grazie ai flashback) non verserà grandi lacrime, se non quando l’uomo ritornerà nei suoi incubi ricorrenti o quando le capiterà di essere interrogata sul proprio ex dallo spasimante di turno.

E qui gli spasimanti sono ben 2. Da una parte il giovane pioniere della medicina Luke Garrett (un Frank Dillane che ricorda un Johnny Depp un po’ imbolsito), che ha “solo” la modesta ambizione di diventare il chirurgo più rivoluzionario della sua generazione. E dall’altra Loki, cioè il prete di campagna William Ransome interpretato dalla co-star Tom Hiddleston.

Peccato per entrambi che Cora non abbia occhi che per i fossili e serpenti giganti. Perlomeno è con la prospettiva di venire a capo del mistero/leggenda di un mostro marino dalle parti dell’Essex di cui apprende nei giornali, che con ancora indosso i vestiti del funerale dell’appena defunto marito, la donna dalla ritrovata libertà – seppur con quella palla al piede del taciturno figlio 11enne di nome Francis (ma tanto se lo sciropperà la fidata bambinaia di nome Martha) – decide in quattro e quattr’otto di trasferirsi a Colchester, dove conta di poter riprendere le sue ricerche di naturalista, bruscamente interrotte a 16 anni quando il padre decideva di ammogliarla con il sadico marito.

Quello che invece ben presto troverà – insieme alle lunghe passeggiate con l’aitante prete con cui fare a gara per spiegare razionalmente un fenomeno conosciuto nello Stretto di Messina come Fata Morgana – sono l’ignoto, le superstizioni del luogo e l’ostilità della popolazione locale, che ad un certo punto inizia a ritenerla colpevole del risveglio del mostro (una ragazza scomparsa è stata appena trovata morta proprio sulla laguna), coincidente con il suo arrivo in paese.

Ma alla fine questo mostro esiste davvero, come vorrebbe Carrie Cora? O come invece vorrebbe il pastore è solo una leggenda come quella di Loch Ness che si tramanda da secoli? O è ancora solo un’allegoria/metafora usata dagli autori per raccontare il dualismo (pensiero scientifico /oscurantismo religioso) rappresentato dai due personaggi principali?

Ed essendo (purtroppo) soprattutto questo, al momento, l’unico motivo d’interesse per continuare a seguire la serie (quando mancano, nel momento in cui scrivo, ancora 2 episodi), devo dire che, come ingredienti, abbiamo un po’ poco… La colpa non è certo degli interpreti: Claire Danes sempre bravissima nel trasmettere le sue insicurezze di donna forse troppo libera per ciò che la società prevedeva a quel tempo, ma la sensazione è che sembri crederci poco lei per prima (non è un caso che sia subentrata nel cast solo in corsa in un ruolo per cui era stata inizialmente scritturata Keira Knightley). In ogni caso nessuno dei personaggi sembra creato per rimanere a lungo impresso nella mente dello spettatore.

La sensazione è che la serie paghi, come tante serie degli ultimi periodi, lo scotto di essere rimasta in stand by causa effetti della pandemia (avrebbe dovuto essere girata nel 2020 per uscire nel 2021), e quando si è potuti tornare al lavoro, invece di sfruttare la pausa forzata per rendere storia e personaggi un po’ più televisamente avvincenti, ci si è crogiolati nel fatto che tanto si partiva da un romanzo assai premiato o che nella storia ci fosse (forse) un serpentone.

Cara Claire… capita anche ai migliori di sbagliare. Ci rivediamo al prossimo personaggio o perchè no, al prossimo Emmy.

Non una serie tratta da un libro, ma che trova comunque spazio nel nostro angolo sulle “serie letterarie”, visto che, in questo caso, è la stessa opera letteraria a dare il via alle vicende in essa raccontate. Stiamo parlando de Il Padrino romanzo, che già alla sua prima uscita (marzo 1969), svettava immediatamente in cima alla “Best Seller List” del New York Times (rimanendo in top-ten per 67 settimane), vendendo oltre un milione di copie in poche settimane, prima di essere tradotto nel resto del mondo (la prima edizione italiana per Dall’Oglio è del 1970).

Siamo in un momento molto controverso della storia americana con le istituzioni politiche che venivano messe in discussione (il Vietnam) come mai prima di allora. L’autore Mario Puzo, di chiare origini italiane (genitori originari di un paese di Avellino), decideva allora di alzare la posta, assumendosi il compito di mostrare come andavano davvero le cose, con criminali e politici che diventavano “due facce della stessa medaglia”. Aggiungiamoci che i criminali, per quanto romanticizzati, erano italiani, attirandosi per questo le ire della comunità italo-americana che tanto stava facendo per nobilitarsi, e possiamo capire perchè pochi romanzi si siamo imposti nell’immaginario collettivo con la stessa brutalità e la stessa forza di The Godfather.

Non dovette naturalmente passare molto tempo prima che Hollywood, fiutasse l’occasione, ed è proprio qui che s’inserisce The Offer, la miniserie-tv in 10 puntate prodotta da Paramount+ (la stessa casa di produzione del film, che ancora detiene i diritti del romanzo), che racconta come, dal lavoro di Mario Puzo (interpretato nella serie da Patrick Gallo), si passò, 3 anni dopo, nel 1972, all’uscita in sala di uno dei film che, esattamente 50 anni fa, faceva la storia del cinema.

Senza quindi voler in alcun modo demonizzare chi non ha mai visto almeno il primo film (io non ho mai sentito il bisogno, per esempio, di vedere Guerre Stellari e la mia vita è andata avanti lo stesso), credo che a chiunque, sia invece capitato di sentirne parlare o di apprendere uno dei tanti aneddoti riguardanti la lavorazione del film. Credo anzi che Il Padrino sia, ancor più che il film con battute più citate (e parodiate) in assoluto, forse quello con più notizie riguardanti i dietro le quinte. Non serve insomma possedere l’ultima edizione deluxe del cofanetto,  per conoscere quelli che ormai sono segreti di pulcinella come il fatto che nessuno all’inizio volesse fare il film, che i produttori non volessero Al Pacino (troppo giovane) o Marlon Brando (troppo problematico) e via discorrendo.

E dopo tanti film/documentari dedicati all’arte di fare (ed ideare) film – penso ad Hitchcock (2012) sulla lavorazione di Psycho o a Mr. Banks (2013) su come Walt Disney ottenne i diritti del romanzo di Mary Poppins – che qualcuno decidesse di cimentarsi in una storia serializzata sul making of  de Il Padrino, era forse davvero solo questione di tempo e opportunità…

Ecco quindi la storia di come un giovane programmatore di computer (Albert S. Ruddy), con il sogno di lavorare a Hollywood, si farà pian piano strada tra i corridoi della Paramount Pictures fino convincere il capo dello studio Robert Evans (un ottimo Matthew Goode) ad affrontare progetti più grandi, come, ad esempio, l’adattamento fortemente contestato e controverso di un romanzo chiamato “Il Padrino”.

Da qui, tutta una serie di problemi e contrattempi legati alla lavorazione del film, dagli ingaggi del regista e degli attori scelti dal regista ma non voluti dalla produzione, fino ad arrivare all’offerta del titolo, riassumibile nel diktat del ferocissimo boss mafioso Joe Colombo (Giovanni Ribisi) – uno dei Capi delle 5 famiglie di mafia di New York, nonchè della Lega per i diritti civili degli italo-americani in risposta alla diffusa popolarità del romanzo di Puzo e alla prospettiva di un adattamento cinematografico – che cedette alla fine solo a condizione che la produzione accettasse di non usare mai le parola “mafia” o “Cosa Nostra”. Ma produzione e regista accetteranno?…

Ecco, l’unico inconveniente di una storia di questo tipo, anche considerando che si prende 10 puntate (cioè un minutaggio superiore a quello di tutta la trilogia), è proprio questo, che (spoiler alert!) anche chi non ha visto il film, comunque sa che il film si farà, e che sarà un successo, e quindi per quanto gli attori s’impegnino nel rendere credibilissime le loro frustrazioni all’ipotesi che il film non si possa fare, o che l’attore sconosciuto non avrà mai la parte, il risultato perde di suspence…

Beh, a meno che non siate degli estimatori della saga coppoliana, come il sottoscritto, per cui non importa se molti retroscena non vi siano del tutto nuovi, perchè in ogni caso stiamo parlando della storia sulla storia de “Il Padrino”! E quindi un’offerta che non si può certo rifiutare…

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